关雅荻·开放对话

*本期录制于2026年9月18日，上海

开放对话的人：
影歌（李世佳），运动健身爱好者，华东师范大学心理学副教授

本期主要内容：

如果你已经规律健身八年，跑过半马、参加过越野，也练过CrossFit，准备一场比赛时做了专项训练和完整模拟，你会不会觉得，自己大概知道身体的边界在哪里？
影歌原来也这样想。

她有生物学和心理学的专业背景，研究压力与情绪障碍，也一直把运动当作应对工作压力、照顾身体的方式。报名HYROX，最初只是想和朋友一起玩。后来，模拟成绩不错，两个人开始觉得：也许还可以争取一下领奖台。
但这场比赛最后把她送进了抢救室。

本期「关雅荻·开放对话」，我们邀请影歌，一起重新走过那段从正常比赛到记忆断裂、从意识混乱到慢慢恢复的经历。

最让人不安的，是危险出现时，她并没有立刻意识到那是危险。
赛前心率比平时高了一些，她觉得可能是兴奋；比赛中呼吸越来越急，她想起自己以前也经历过难受、后来却能缓过来的时刻。熟悉的动作、练过的强度，加上身边一起向前的搭档，都让“再坚持一下”显得顺理成章。
直到做波比跳远时，她的记忆开始变成碎片。

有些事情，她后来只能通过搭档、朋友和母亲的讲述拼回来。她曾经继续移动、回应别人，也曾在医疗区域哭泣，但这些并没有完整留在自己的记忆里。
这让我们不得不追问：当一个人的意识已经受到影响，“不舒服就自己停下来”这句话，还够用吗？
如果当事人已经无法可靠地判断状态，搭档、裁判和现场医疗人员，应该怎样识别异常？一项迅速吸引大量普通人参与的赛事，除了动作标准、计时和成绩，还需要怎样的安全准备？

我们也聊到一个容易被忽略的认知盲区：在影歌过去的理解里，热射病更多与烈日下的户外运动有关。她没有想到，自己会在室内比赛中遇到它。对现场拥挤、闷热和节奏变化的回忆，也让这次复盘超出了“是不是练得不够”的简单解释。

进入抢救室之后，对话走向了更难描述的部分。
影歌记得自己努力保持清醒，试着用专业知识理解正在发生什么；也记得混乱的声音、恐惧，以及几乎失去尺度的时间感。现实中过去的一段时间，在她的主观体验里却漫长得像几个月。

这些感受究竟该如何理解？她没有把自己的解释当作定论。作为一个研究心理的人，她既是经历者，也试图成为观察者：哪些是当时真实感受到的，哪些是事后才寻找的解释？专业知识能够帮助她到哪里，又在哪里暂时失去了答案？
但醒来，并不意味着事情结束了。

她说自己一度觉得已经没事，检查结果却提醒她，身体还没有恢复。之后是反复复查、暂停比赛，以及重新适应远低于过去的运动强度。
两个月过去，一次原本觉得轻松的训练，也可能让她需要更长时间休息。

于是，我们聊到了这期节目里我很想留给大家的一个问题：运动怎么会变成另一场加班？
工作里要完成任务，运动里要刷新成绩；白天已经很累，晚上还要证明自己足够自律。原本用来缓解压力的事情，不知不觉又多了一套考核标准。
经历这次意外之后，影歌开始重新看待排名、PB，以及“今天还要不要再多练一点”。她仍然喜欢运动，但更想找回它最初的用途：让生活变得更好。

对话后半程，我们也从比赛聊回日常：情绪为什么不必简单分成好坏，压力源和压力反应有什么区别，以及面对暂时改变不了的处境，能不能先处理一件具体的小事。
最打动我的，是她说，现在吃东西觉得更香，看天空觉得更蓝，看别人也觉得更亲切。

这次经历没有让她觉得一切都失去了意义。它让那些原本很普通的事情，重新有了分量。
如果你也喜欢运动，习惯坚持，或者总觉得自己还能再扛一点，希望这期对话能陪你停下来想一想：我们努力锻炼的这副身体，最终是要带我们去过怎样的生活？

影歌在公众号「果壳病人」9月8日发表的文章，名为《“HYROX比赛就是专门针对你的死亡陷阱，你还傻乎乎地跳进来了”》，欢迎大家在收听这期节目之前进行搜索阅读

时间轴：

00:00 引言

08:00 为什么邀请影歌：从HYROX争议，聊到一次热射病亲历
12:34 “感觉没事”不等于身体恢复：抢救之后，检查结果与自我感觉的落差
17:28 训练模拟不了的比赛现场：闷热、拥挤与不断被打乱的跑步节奏

22:44 从波比跳远开始，记忆变成碎片：失控是怎样发生的？
28:50 比心率数字更值得留意的异常：呼吸变急，以及双人搭档如何沟通
33:01 家人拨打120之后：意识评估、核心体温与现场降温准备
40:09 意识混乱中的恐惧：影歌如何回看自己的谵妄体验

46:08 “我以为室内不会热射病”：长期运动者也可能存在的风险盲区
51:56 从出院小结得知诊断：抢救时的声音、恐惧与逐渐模糊的感知

57:58 现实中的短暂时间，主观上像几个月：如何讲述一次濒死体验？
01:05:04 醒来之后仍需恢复：反复复查、暂停比赛，重新看待PB与排名
01:10:53 别把运动变成另一场加班：健身究竟在缓解压力，还是制造压力？
01:14:21 当选手已经无法自主停下，谁来介入？搭档、裁判与赛事安全责任

01:20:14 意外之后，生活反而更具体了：吃饭更香、天空更蓝，找回运动初心
01:29:37 情绪不必简单分好坏：理解压力源、压力反应与能着手解决的小事
01:37:54 恢复比想象中漫长：HRV变化、重新训练，以及不愿再经历的意识失控

【核心专业名词及释义】

HYROX｜HYROX Fitness Racing
HYROX是一种把跑步和功能性体能项目交替组合的赛事。标准赛制包括八段一公里跑步，以及八个运动站，考验耐力、力量和疲劳状态下完成动作的能力。它与单纯跑步不同，进入下一段跑步时，身体可能已承受推、拉、搬运等负荷。本期影歌参加双人组，理解项目之间的连续累积，有助于理解为什么熟悉单项动作，仍不等于能够预测整场比赛的体验。

CrossFit｜CrossFit
CrossFit是一套有品牌体系的综合体能训练方法，常将举重、体操和跑步、划船等心肺训练组合起来，强调多样化的功能性动作。训练通常可以根据参与者能力调整重量、次数和动作难度。它和HYROX存在动作交集，但训练组织和比赛形式并不相同。影歌提到自己的CrossFit经历，是解释她为什么觉得项目熟悉；这种熟悉感并不能自动保证另一种比赛环境中的安全。

波比跳远｜Burpee Broad Jump
波比跳远把身体下降至地面、起身和向前跳跃连在一起，反复完成直到规定距离。它同时调动上下肢和躯干，并不断改变身体姿势，连续进行时对心肺和协调能力都有要求。具体动作是否合规，以赛事规则为准。本期这是影歌记忆开始断裂的关键环节，但“异常在这一站被察觉”，并不等于仅凭叙述就能认定某一个动作是发病原因。

滑雪测功仪｜SkiErg
滑雪测功仪是模拟越野滑雪拉杖动作的训练器械，通过拉动两侧手柄带动阻力系统，用距离、时间或功率记录运动表现。虽然看起来主要在用手臂，实际也涉及躯干、髋部和腿部配合。节目讨论了身高与手柄位置的问题：统一器械设置下，不同体型选手的操作便利程度可能不同。这属于动作适配和比赛体验的讨论，不能直接推导成身体损伤的诊断。

赛前减量｜Tapering
赛前减量是指在比赛前的一段时间，有计划地减少训练负荷，让累积疲劳消退，同时尽量保留既有能力。它不一定意味着完全停练，也不是临时加练以获得更多体能。具体安排取决于项目、训练史和恢复情况。影歌回顾了自己的减量过程，说明她并非毫无准备地参赛；但完成减量，也不能据此排除睡眠、环境、疾病或其他因素带来的风险。

个人最佳成绩｜Personal Best，PB
PB指个人在某个运动项目中的最好成绩，例如最快半马时间或某项比赛的最短完赛用时。它提供了清晰的进步参照，也容易成为持续训练的动力。不过，比较成绩需要考虑距离、规则、路线和环境是否接近。本期对PB的讨论关乎运动目的：当刷新成绩逐渐挤压休息与健康，原本帮助生活的活动，也可能变成一项不断要求自己交出更好结果的任务。

劳力性热射病｜Exertional Heat Stroke，EHS
劳力性热射病是剧烈活动相关的严重热病，典型表现包括核心体温明显升高，以及意识、行为或协调能力异常，可危及生命。它不只发生在烈日下，患者也可能仍大量出汗。运动中出现意识混乱、倒地等情况，需要立即呼叫急救并尽快降温，不能只让人休息观察。本期属于当事人的就医经历回顾，具体诊断仍应依据临床记录。

核心体温｜Core Body Temperature
核心体温指身体深部组织和重要器官的温度，与皮肤表面温度并不相同。剧烈运动和环境变化可能使两者出现明显差异，因此额温、腋温等读数不能可靠排除劳力性热射病。运动现场怀疑此病时，专业指南推荐使用直肠测温评估核心体温，由受训人员实施。节目强调这个概念，是提醒赛事医疗准备需要针对风险，而不只是配备普通体温计。

冷水浸泡降温｜Cold-Water Immersion，CWI
冷水浸泡降温是利用水与身体充分接触，迅速带走热量的方法，也是劳力性热射病的重要现场处理措施。实施时需要照看头部和气道，并由受训人员监护，不能把意识不清的人独自放进水中。它与运动后为了缓解酸痛进行的冰浴用途不同。节目讨论其意义，在于赛事需要提前准备快速降温条件，而不能等到选手倒下后才寻找设备。

意识状态快速评估｜AVPU Scale
AVPU是一种快速描述意识反应的工具：A表示清醒，V表示对声音有反应，P表示对疼痛刺激有反应，U表示无反应。它帮助急救人员迅速交流患者状态，但不能单独判断病因，也不能因为患者还能回答问题，就认定其安全。节目借此讨论现场识别能力；发现运动者明显反常、反应迟钝或意识下降，应交由急救人员处理，而不是继续要求其完成比赛。

自动体外除颤器｜Automated External Defibrillator，AED
AED能够分析心律，并在识别到适合电击的心律时提示除颤，主要用于心搏骤停急救。它不是处理所有倒地、昏迷或中暑情况的通用设备，也不能降低核心体温。节目提到AED，是为了说明现场安全准备需要覆盖不同急症。有设备只是其中一环，人员识别能力、呼救流程以及与具体风险匹配的救治准备，同样决定紧急情况下能否及时采取有效行动。

静息心率｜Resting Heart Rate，RHR
静息心率指人在安静、没有进行体力活动时，每分钟的心跳次数。训练水平、睡眠、紧张、药物等都可能影响它，因此观察自己的长期基线，通常比孤立比较某一次数字更有意义。影歌提到赛前静息心率高于平时，这是回顾状态的一条线索，却不能据此单独确认发病原因。较低的静息心率，也不意味着在高强度运动中不会遇到危险。

最大心率｜Maximum Heart Rate，HRmax
最大心率是个体在极高强度运动中能够达到的最高心率，受年龄和个体差异等因素影响。“220减年龄”只是常见的粗略估算，不能当作每个人准确的极限或安全分界线。节目中双方比较自己的运动心率，需要放回各自的身体和训练背景理解。不能因为过去曾在某个心率下完成比赛，就认定这次处于相同数字时也一定安全。

心率变异性｜Heart Rate Variability，HRV
HRV描述相邻心跳之间时间间隔的细微变化，与每分钟跳多少次的心率不是同一指标。它与自主神经调节有关，也会受到睡眠、压力和身体状态影响。影歌用它观察恢复期间与过去的差异。日常记录更适合在相近条件下比较个人趋势，不宜拿不同人的数字直接排名；手表读数也不能单独证明器官恢复，更不能替代医生对重返运动的评估。

谵妄｜Delirium
谵妄是一种急性出现、状态可能波动的意识与认知紊乱，常表现为注意力下降、定向混乱、思维不连贯，也可能出现幻觉或强烈恐惧。它既可能表现为激动，也可能表现为安静、嗜睡，不能简单理解成“胡言乱语”。节目中影歌回顾了当时的异常感知；对这些经历的医学解释，需要结合疾病、检查和临床观察，而不能仅凭某一句话判断。

濒死体验｜Near-Death Experience，NDE
濒死体验通常指人在面临或感知到生命危险时，报告的一组特殊主观经历，例如时间感改变、强烈画面或自我感受变化。不同人的叙述差异很大，它不是单一疾病诊断，也不能据此证明曾发生脑死亡或心脏停搏。本期影歌描述的时间漫长感和意识变化，首先是她的个人体验记录；这些感受的形成机制，与她事后赋予经历的意义，需要分开理解。

肌酐｜Creatinine
肌酐是与肌肉代谢有关的产物，主要经肾脏排出，血液中的浓度常用于辅助评估肾功能。它也受肌肉量、饮食、活动等因素影响，因此一次升高不能直接等同于永久性肾损伤，需要结合其他检查和变化趋势判断。节目中影歌谈到相关指标，是说明清醒和主观感觉良好，不一定意味着身体已经恢复。肌酐与肌酸激酶是不同指标，不应混为一谈。

正念｜Mindfulness
正念指有意识地觉察当下的身体感受、念头和情绪，并尽量不急于对它们作出评价。注意呼吸是一种常见练习方式，但正念不等于强迫自己平静，也不意味着排除所有杂念。影歌提到自己在救护车上尝试通过呼吸保持清醒，这是她应对恐惧的个人行动。它不能替代热射病所需的紧急医疗处理，也不应被理解为依靠意志就能控制急性身体损伤。

压力源｜Stressor
压力源是触发压力反应的事件、要求或处境，例如工作期限、人际冲突、疾病，以及对比赛成绩的期待。同一件事对不同人的影响可能不同，也取决于当时可用的时间、支持和应对资源。节目强调区分压力源与压力反应，是为了让问题更具体：哪些外部困难能够着手改变，哪些暂时无法改变，哪些则需要寻求帮助，而不是一概归结为自己不够坚强。

压力反应｜Stress Response
压力反应指人在面对挑战或威胁时出现的身体、情绪和行为变化，例如紧张、心跳加快、睡眠受影响或难以集中注意力。短期反应可以帮助应对任务，但持续负担可能影响日常生活。它与压力源不同：前者是我们如何反应，后者是触发反应的因素。本期讨论运动与压力的关系，也提醒听众观察运动的实际效果：它有没有帮助恢复，还是又增加了必须完成的任务。

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*本期录制于2026年9月16日，上海

本期主要内容：

如果中国电影每年都能有一百部制作成本两三千万元、市场反馈不错、能够收回投资的电影，我们还会这么焦虑吗？
这一期「关雅荻·开放对话」，我想从一个很实际的问题说起：拍一部电影，到底应该花多少钱？

起因是一篇朋友圈转发的文章。标题在问，连胡歌、宋佳都没戏拍了，内娱是不是不行了？看完之后，我想到的却是过去十几年里亲眼见过的另一番景象：钱追着项目跑，咖啡馆里到处都是聊电影的人，明星片酬往上涨，制作规模往上加，票补和宣传投入也越来越大。

那时候，很多人都相信，中国电影的市场还会继续扩大，今天多花出去的钱，明天总能赚回来。
现在，热钱已经离场，观众的选择和观影习惯发生了变化，可我们给一部电影定预算、找明星、做发行时，是否还在沿用那个年代的价格和预期？

这就是本期想讨论的命题：让中国电影成本回到价值，即中国电影的成本结构必须和如何「安全着陆」。

我做过制片、发行，也在票务平台工作过。这些年，我又通过一场场映后开放对话，继续与创作者、影院和观众保持交流。这次单口，我想把自己的从业记忆、公开数据和几个经济学概念放到一起，试着解释眼前的困局，再提出一些可以继续讨论的行动建议。

我们先看市场的基本盘。
为什么少数电影取得惊人成绩，依然不能说明整个行业正在恢复健康？银幕更多了，单块银幕分到的收入怎么样？备案的项目有多少能开机，开机之后又有多少能够顺利上映？当越来越多观众只在重要节假日看电影，平常的周末，影院还能拿什么把他们请回来？

我尤其担心的是中国电影的「腰」，或者说整个「躯干」。
中等成本电影承担着很多不那么显眼、却不可缺少的工作：让新人获得机会，让成熟创作者尝试新题材，让不同类型的故事进入市场，也让观众每个月都有理由走进电影院。如果这一层越来越薄，我们失去的会是整个行业持续生产和更新的能力。

接着，我们回到成本是怎样涨上去的。
明星片酬只是其中一部分。制作周期、管理费用、宣传投放，以及进入热门档期所需要的资源，都在影响一部电影的生存条件。即使两千万元拍完了，如果发行和宣传的门槛依然很高，它也可能走不到观众面前。所以，这期讨论会同时覆盖制作与宣发。

有几个听起来有点学术的概念，我也会尽量讲明白：
为什么少数明星能够获得远高于其他人的收入？为什么技术越来越先进，某些创作环节却没有变得更便宜？为什么电影行业总说“没人知道什么会成功”？

这些问题最后都落到一件事上：
既然很难保证下一部电影一定大卖，能不能先控制一次失败的代价，让公司和创作者还有机会拍下一部？

当然，把预算降下来，也有边界。
重工业大片有它的价值，技术探索需要投入；单方面压缩制作费，也可能让影片在宣传和排片上更加被动。我们需要讨论的是不同影片如何找到合适的规模，以及节省下来的钱，能否真正换来创作空间。

后半程，我会把韩国、日本和好莱坞放在一起比较。
韩国的成本与渠道困局，日本制作委员会分散风险的能力及其对原创的限制，好莱坞中等预算电影的收缩，以及一些独立厂牌探索出的生存方式，都提供了不同的参照。看过这些市场，更能发现：降成本只是起点，观众习惯、发行渠道和收益分配，同样需要面对。

最后，我提出一个分层的设想和五项行动建议：
让不同规模的电影拥有不同的预算、回收路径与评价标准，讨论制作扶持、发行门槛、二次版权收入，以及更透明的成本和回报数据。

这些建议有些很理想化，也有些超出了我能够独自回答的范围。
我会把自己不确定的地方讲出来，欢迎同行和听友继续补充、质疑。

录这期节目，是因为我依然期待，每个普通的周末，都有几部值得看的新电影；也期待那些真正想拍电影的人，能够重新开机。
让成本回到可以承受的范围，让创作有机会继续发生。这是我对中国电影的一种诊断，也是我仍然愿意保持信心的理由。

时间轴：

00:00 开场命题：让中国电影的制作与宣发成本，重新匹配真实市场规模
08:01 从一篇“明星没戏拍”的文章说起：关雅荻为何提出成本回归？
15:07 爆款之外看基本盘：为什么一部《哪吒》的成功不能代表整个行业？
23:05 银幕越建越多，单银幕收入却在缩水；备案、开机与上映之间还有多远？

28:19 观众的注意力去了哪里？从短剧竞争到日常观影习惯的流失
32:29 中国电影的“腰”为什么重要？人才、类型试验与全年供给都在这里
38:08 回溯热钱周期：电影行业的高成本结构是怎样形成的？
44:07 明星片酬的“租金化”：注意力竞价、收入分化与行业定价惯性

48:17 从票补大战到宣发竞争：一部电影进入市场的门槛如何被抬高？
53:18 还没见到观众，先付出高昂代价：热门档期的宣发、排片与返点问题
58:26 热钱退场之后：旧成本结构面对收缩的市场，亏损如何发生？
01:03:22 成本回归的具体主张：1000万到3000万元，能否重新建立类型片供给？

01:08:11 鲍莫尔成本病与技术升级：为什么不同环节都在推高制作成本？
01:12:57 “没人知道什么会成功”：电影的不确定性，如何改变制片人的决策？
01:19:30 从《周处除三害》到《宇宙探索编辑部》：有限预算的创作与市场可能
01:25:48 成本回归的三个边界：保留大片空间、同步降低发行门槛、推动行业协作

01:30:47 韩国这面镜子：从早期产业危机，到《西风烈》赴韩声音后期的亲历
01:36:23 韩国再遇困境：流媒体竞争、薪酬上涨与中等预算电影的收缩
01:42:41 降成本为什么还不够？韩国的观影习惯变化与放映渠道问题
01:46:12 日本制作委员会：多方出资如何分散风险，又如何影响预算与回收？

01:53:52 求稳也有代价：日本对成熟IP的依赖，如何压缩原创与中小公司的空间？
01:58:43 好莱坞的危机：票价上涨之外，观众流失、内容收缩与制作外迁
02:03:44 从DVD收入消退到独立厂牌探索：好莱坞中等预算电影的两条路径
02:09:06 三国对照的共同启示：控制成本是起点，内容、需求与渠道仍需修复

02:12:12 如何建立共识？分别向投资人、创作者和观众讲清成本回归的意义
02:17:03 三层电影供给设想：顶级制作、中等成本类型片与低成本创作各司其职
02:22:09 行动建议一、二：讨论成本自律，将部分扶持资金投向中等成本制作
02:24:37 行动建议三：降低发行门槛，并探索经典片库、预约放映与影院自主排片

02:29:04 行动建议四、五：改善收益分配和二次回收，建立成本与回报白皮书
02:34:41 最后的重申：让创作者敢开机、投资人敢投入，让热爱电影的人回得来

【核心专业名词】

成本价值回归｜Realigning Film Costs with Market Value〔本期提出的命题〕
本期用这个说法，主张让制作、宣传和发行成本重新匹配影片可合理预期的市场回收能力。它不是通行的经济学定律，也不意味着所有预算统一退回某个历史年份。具体需要结合题材、制作要求和收入渠道分层判断。节目提出的1000万至3000万元制作区间，是供讨论的类型片方案，不是适用于所有电影的行业标准。

腰部电影／中等成本电影｜Mid-Budget Film
指制作规模介于低成本作品与大型商业制作之间的电影，没有跨国家、跨年代通用的预算门槛。本期强调它们在人才培养、类型探索和日常供片中的作用。“腰部”有时也指中等票房规模，因此使用时应区分预算与收入：一部中等成本电影可能成为爆款，也可能回收不足，不能把制作成本直接等同于市场表现。

哑铃型供给结构｜Dumbbell-Shaped Supply Structure
这是描述产业结构的比喻：资源与项目集中于两端，中间层相对薄弱。放到电影行业，一端可能是少量高预算大片，另一端是大量低预算作品，而中等规模项目难以持续生产。它提示我们关注内容梯度和人才成长空间，但不是固定的统计分类。本期也对中国是否已经完全形成这种结构保留了判断空间。

线上成本与线下成本｜Above-the-Line / Below-the-Line Costs
这是电影预算中的分类方式，与互联网的“线上、线下”无关。线上成本通常包括故事版权、编剧、导演、制片人及主要演员等核心创作费用；线下成本通常包括摄制组、器材、场景、服化道及后期等执行费用。具体归类因预算制度而异。这种划分帮助分析资金流向，并不意味着两类人员的创作贡献存在高低之分。

宣发费用｜Prints and Advertising，P&A / Marketing and Distribution Costs
宣发费用是电影完成后，为进入市场、接触观众和组织发行所支出的费用。传统英文P&A指拷贝与广告，数字发行环境下也常沿用这个名称。中文“宣发”的范围可能更宽，包括物料、媒体投放、活动和发行执行等。比较项目时须说明是否包含发行佣金、补贴及其他费用，避免把制作预算误当作全部投入。

票补｜Movie Ticket Subsidy
票补指平台、片方、影院或其他主体承担部分购票费用，使观众能够以较低价格买票。不同阶段的补贴目的可能不同，包括获取平台用户、促进文化消费或推动影片开画。它可能增加观影机会，也会改变价格信号。节目回顾的是特定历史阶段的竞争，分析其效果时，应区分补贴金额、相关交易流水和最终计入的票房。

经济租金｜Economic Rent
经济租金指一种生产要素获得的收入中，超过使其留在当前用途所必需的最低报酬的部分。这里的“租金”不专指房租，也不自动意味着违法或不合理。本期借它讨论明星稀缺性、议价能力与片酬。但不能把明星全部收入都视为经济租金，更不能仅凭片酬较高，就断定其实际贡献不足；仍需考虑替代选择与市场条件。

超级明星经济学｜The Economics of Superstars
舍温·罗森在1981年的研究中，解释了为何少数顶尖从业者能够获得悬殊收入：当不同人才不能完全替代，而技术又使优质服务可以覆盖巨大市场时，较小的能力差异可能被放大为显著的收入差距。这有助于理解明星市场，但理论本身没有证明所有高片酬都是泡沫，也不能直接推出某个合理的片酬上限。

鲍莫尔成本病｜Baumol’s Cost Disease
当某些行业的劳动生产率提高较慢，却需要随整个劳动力市场提高工资时，其单位成本可能持续上升。表演艺术是经典讨论对象：技术进步不一定能显著缩短完成同一表演所需的人力时间。电影部分创作环节也有类似特征，但复制、发行等环节存在效率提升。因此，它只能解释部分成本压力，不能包办解释所有预算上涨。

“无人知晓”原则｜Nobody Knows Principle
理查德·凯夫斯用这一概念概括创意产品需求的不确定性：作品推出前，很难充分知道消费者会怎样反应。它提醒电影投资者，明星、类型和历史表现都不能保证成功，但不等于调查与预测毫无价值。更合理的应用是采用不同市场情景、控制风险敞口，并根据上映后的信息调整发行安排。

帕累托分布与厚尾风险｜Pareto Distribution / Heavy-Tailed Risk
帕累托分布是一类具有厚尾特征的概率分布，意味着极端大值出现的可能性不能按普通波动轻易忽略。电影收入研究曾发现，少数超级卖座片对整体结果影响很大，使平均值容易偏离普通项目的处境。这提示投资者不能只参照爆款制定预算，但也不能简单理解为固定的“二八比例”，或断言任何市场都完全服从同一分布。

沉没成本｜Sunk Cost
沉没成本是已经发生、无法通过当前选择收回的支出，例如已经完成且不能退费的部分拍摄投入。它与未来还需要支付的钱不同。面对项目是否继续的决策，应比较继续投入的新增成本与预期收益，不能仅因为“已经花了很多”就不断追加。电影存在较高沉没成本，因此前期开发、分阶段决策和预算管理尤其重要。

盈亏平衡点／回本线｜Break-Even Point
盈亏平衡点是项目累计可归属收入足以覆盖相关成本的位置。对电影而言，要考虑制作、宣发、融资等支出，以及院线分账、版权销售等收入。总票房不会全部归制片方，因此票房等于制作预算时通常不能据此认定回本。“票房达到成本三倍”只是某些条件下的粗略经验，实际应按合同和具体回收结构计算。

票房分账｜Box Office Revenue Sharing
票房分账是将电影票销售收入，按适用扣除项目和发行放映合同，在影院、院线、发行方与制片方等主体之间分配。观众支付的票款、统计票房、可分账收入和片方最终到账金额并不完全相同。分析收益时，应明确采用哪个层级、是否扣除佣金及其他费用。不同影片和发行阶段也可能采用不同安排，不能一概套用固定比例。

制作委员会制度｜Production Committee System
日本影视业常见的联合出资方式，由出版社、电视台、发行商、广告公司等共同参与项目，并按协议分配风险、收益和相关权益。各方可以发挥不同渠道优势，降低单一公司的资金压力。但版权归属、决策权和收益分配并非简单地全部按出资比例处理，具体取决于合同；参与制作的工作室也不一定就是出资方。

知识产权与影视IP｜Intellectual Property，IP
IP的本义是知识产权，电影行业日常所说的IP，则常指具有识别度和开发潜力的故事、人物或系列。已有小说、漫画、游戏可以提供认知基础，但改编权、发行权和衍生开发权需要分别厘清。成熟IP可能降低部分推广难度，却不保证观众持续买单。本期讨论的是，当投资过度集中于已有品牌时，原创项目可能受到挤压。

院线窗口期｜Theatrical Window
院线窗口期通常指电影在影院上映后，进入某个后续发行渠道之前的时间间隔，常用于讨论影院独占发行的阶段。后续渠道可能是数字租赁、购买、电视或订阅流媒体，因此需要明确具体口径。它不等于影片在影院停留的总时长。窗口如何安排，要综合考虑影院收入、后续版权价值和观众需求，不能只用长短判断优劣。

二次窗口与后续版权收入｜Secondary Exploitation Windows / Ancillary Revenues
指电影首轮发行之后，通过其他时期或渠道继续获得的收入，例如家庭影音、电视播映和流媒体授权等。“二次”不是只有第二次，也不意味着每一项都是净利润。不同授权可能采取固定买断、分成或保底加分成。它们能够分散项目对首轮票房的依赖，但收入高低、到账时间及权利保留范围，都取决于市场和合同。

分线发行与分众发行｜Circuit-Specific / Audience-Targeted Distribution
分线发行强调针对不同院线、影院或放映网络安排影片；分众发行强调围绕特定观众群体配置宣传、场次和地区。两者可以结合，让影片在更适合自己的场所逐步建立口碑。它们不等于自动获得保护排片，也不保证降低总成本。有效实施仍需要了解目标观众，并协调授权、放映安排和可持续的宣传投入。

囚徒困境与协调问题｜Prisoner’s Dilemma / Coordination Problem
囚徒困境描述一种博弈：各方按照自身利益选择，可能得到比相互合作更差的共同结果。本期借它讨论谁先降低预算、谁先改变竞争方式的顾虑。不过，行业成本调整未必符合严格的囚徒困境模型，也可能主要是信息不足、信任缺乏或利益分配不均造成的协调问题。明确各方激励，才能判断什么机制真正有助于改变现状。

因为字数限制，本期节目注释只能图片形式呈现

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【狂喜】又要来了~
【第六届狂喜播客·叁狂+】将于2026年10月24-25日在上海举办。
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*本期录制于2026年8月9日，北京

开放对话的人：
黄建新，监制、导演
贾樟柯，导演、编剧
董润年，导演、编剧
藤井树，影评人、制片人
谭飞，影评人
关雅荻，「狂+观影会」「狂喜播客」创始人

本期主要内容：

小时候，黄建新为了看电影，钻过暖气管道，躲到银幕后面；贾樟柯在县城街头长大，电影院是一个随时可以走进去、不断变化的世界。看完电影，孩子们坐在台阶上模仿台词，讨论刚刚共同经历的故事。

今天，为什么看一场电影，反而成了一件需要专门安排的事？

这场对谈，黄建新、贾樟柯、董润年，与关雅荻、藤井树、谭飞，从各自爱上电影的经历出发，逐渐聊到了更具体、也更尖锐的问题：电影还是刚需吗？短视频究竟改变了什么？面对差评，导演需要解释自己的作品吗？当观众的生活和感受迅速变化，一部制作数年的电影，怎样才能与他们相遇？

贾樟柯提醒创作者警惕过度的赞美；黄建新区分沟通与辩解，也谈到跨年龄交朋友的重要性；董润年认为，观众的理解与感受参与了电影的最终完成。关雅荻则带来映后长对话的现场观察：有人因为想留下来交流，变得更愿意走进影院。

最后，观众把问题推向类型片与喜剧：我们需要怎样的故事？想笑、想被安慰和想认真思考，能不能发生在同一场电影里？

一场从热爱开始，却没有停留在情怀里的对话。听完之后，也许你会想起自己第一次走进电影院，以及下一次想和谁一起去。

时间轴：

00:00 六位嘉宾开场：电影如何与今天的观众重新相遇？
06:42 黄建新谈热爱：身体不会骗人，讲故事为何让人着迷
12:35 贾樟柯谈电影院的公共性，以及《黄土地》如何改变自己
18:58 董润年谈信息茧房：为什么我们仍需要共同经历一个完整故事
25:40 贾樟柯警惕过誉，黄建新区分沟通与辩解
31:53 电影要向短视频学习吗？贾樟柯提出“看电影变得太隆重”
38:37 董润年谈新一代创作者，关雅荻分享映后90分钟的交流实践
45:22 电影教育与创作态度：技术之外，电影人还需要学什么？
51:57 黄建新回应类型片短板：从市场化历程理解创作经验的积累
57:57 喜剧如何兼顾笑声与现实？三位导演以创作、真诚和学习作结

【核心专业名词释义】

蒙太奇｜Montage
蒙太奇的核心是通过镜头的选择、排列和连接组织时间、空间与意义。同样一个人物表情，接在不同画面之后，观众可能读出不同情绪。因此，剪辑不仅负责把故事接顺，也参与创造故事的含义。本期黄建新谈到早年阅读库里肖夫相关著作时发现电影的神奇，董润年则提到自己喜欢高信息量、冲击力强的剪辑表达。

电影的公共性｜The Public Dimension of Cinema
电影的公共性，指作品能够让不同背景的人进入共同的观看、讨论和理解过程。影院提供共享的时间与空间，电影则提供可供交流的人物、事件和情感。贾樟柯回忆看完电影后坐在台阶上讨论，正是这种公共性的具体形态。它并不要求所有人意见一致，分歧本身也可以成为理解他人经验的机会。

集体观影｜Collective Viewing
集体观影是多人在同一场域观看同一作品的经验。周围人的笑声、沉默或紧张反应，会影响个人对节奏和情绪的感受。董润年提到，同一个喜剧桥段，在影院里与大家一起看，可能比独自在家观看更容易笑出来。这种感染是观影体验的一部分，但不意味着群体反应可以代替个人判断，或证明作品具有统一的价值。

信息茧房｜Information Cocoon
信息茧房描述人长期接触与自身兴趣、立场相近的信息，逐渐减少接触其他观点的状态。它可能由个人选择、社交关系和平台推荐共同形成，不能把原因全部归于算法。本期嘉宾用它讨论内容趋同、孤独感以及共识形成的困难。不同人受到的影响程度并不相同，接触更多内容也不自动等于理解更多不同经验。

观众接受与解读｜Audience Reception and Interpretation
观众接受研究关注人们如何依据自身经历、文化背景和观看情境理解作品。同一段情节可能引发不同感受，其意义不完全由导演意图决定。董润年说电影的最终完成包含观众的接收与感受，体现了这一思路。但承认解读多样，不代表所有判断都有同等依据；具体分析仍需回到影片的画面、声音和叙事细节。

作者电影｜Auteur Cinema
作者电影通常强调创作者持续而鲜明的个人视角、主题关切与形式选择。“作者”并不意味着导演独自完成全部工作，电影仍是集体协作的产物。它也不必然排斥商业成功。本期黄建新区分面向特定市场需求的创作与作者表达，是在提示不同作品具有不同目标，不宜只用同一套票房或审美标准衡量。

艺术电影｜Art Cinema
艺术电影通常更重视形式探索、人物复杂性和个人表达，有时会采用开放结局、弱情节或非传统叙事，但这些都不是必备条件。艺术电影与商业电影之间存在大量交叉，也没有天然的质量高下。本期贾樟柯说自己拍摄艺术电影，却始终喜欢不同类型的作品，说明创作者的工作方向与影迷的欣赏范围可以不同。

类型电影｜Genre Film
类型电影依据相对稳定的叙事惯例、人物关系和情绪期待，与观众建立沟通，例如喜剧、动作、悬疑和恐怖。观众通常带着某种期待进入影片，创作者则在满足与改变期待之间作出选择。本期讨论强调，类型需要长期实践和经验积累。出现追逐、反转或笑话等元素，并不自动意味着作品已经形成成熟的类型表达。

类型叙事语法｜Genre Storytelling Conventions
类型叙事语法是某类电影组织故事的常用方法，包括目标如何建立、信息怎样释放、冲突如何升级，以及结尾如何回应前面的期待。它更像可学习和调整的创作惯例，并非固定公式。现场观众提出“悬疑只有反转、喜剧只有段子”，正是在追问：局部刺激之外，人物动机、情节因果和整体结构是否足够扎实。

经典叙事｜Classical Narrative
经典叙事通常以较清晰的因果关系、人物目标和行动推进故事，通过铺垫、冲突与结果帮助观众理解事件。它不等于节奏缓慢，也不要求所有电影采用相同结构。本期讨论提到，有些作品需要逐层积累信息，才能在后段形成情感力量。因此，评价节奏时要看铺垫是否有效，而不能只计算反转、笑点或剪辑出现的频率。

分众｜Audience Segmentation
分众指不同观众群体在兴趣、经验、观看习惯和内容需求上存在差异，作品不必同时满足所有人。董润年在现场推测，未来电影可能更明确地面对各自的观众，并由此影响预算与发行。分众不宜只按年龄划分，同龄人的生活差异也可能很大；它帮助创作者理解交流对象，却不保证某个群体一定会购买电影票。

电影生产周期｜Film Production Cycle
电影生产周期涵盖开发、融资、筹备、拍摄、后期及发行等阶段，不同项目耗时差异很大。黄建新在本期强调，电影完成需要较长时间，而社会情绪和观众兴趣可能迅速改变，由此产生供需错位。理解这一问题，需要区分创作内容是否失去相关性，以及档期、宣传和市场环境是否变化，不能只把失利归结为“观众变了”。

通识教育｜General Education
通识教育旨在建立跨学科的知识基础、思辨能力与理解世界的方法，与专门职业训练相互补充。原稿中相关位置的“同时教育”应理解为“通识教育”。黄建新借此谈电影学习：哲学、文学、心理学乃至商业知识，都可能帮助创作者理解人物与社会。掌握器材和制作流程很重要，作品的观察力与表达内容同样需要积累。

创作平权｜Democratization of Filmmaking
创作平权描述更多人获得影像表达工具与参与机会的趋势。数字设备、剪辑软件和生成式工具，可以降低部分制作门槛，但并不自动消除资金、发行、曝光和行业资源的差异。本期关雅荻在讨论AI与电影教育后提到这个方向。更容易做出影像，与更容易完成优秀作品、找到观众，仍是三个需要分别讨论的问题。

电影的“刚需”｜Cinema as an Essential Need
“刚需”在本场属于讨论性的比喻，用来追问电影在当代生活中是否仍有不可轻易替代的价值，并非严格的经济学判断。董润年的回答集中于共同观看、情绪释放和完整表达带来的体验。认为电影重要，不等于每个人都会固定购票；从文化需要到实际走进影院，还受到时间、交通、价格、片单和生活安排等条件影响。

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「狂+观影会」活动预告：

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*本期录制于2026年9月7日，上海

本期主要内容：

这一期是单口，一个人说了一小时四十分钟。

为什么要这么干？因为这件事我憋了一两年了。参加过我观影会的朋友，可能已经不止一次、两次、三次听我在现场结合不同的影片提起它——但每次都是几句话带过，说不透。我一直不知道该怎么用一两句话把它讲明白。那干脆，就用很多句话试一次。

如果非要压缩成一句，那就是：中国电影正在被一批跨界的流量猎手连续"围剿",不只是国产片，包括引进片在内，都沦为了流量的绞肉机——它几乎很难再被当成一部正常的电影来看待。

我发现这两年出现了一个重要的社会现象：中国电影的公共评价次序，被彻底搞反了。

一部电影的社会定性，越来越多地发生在观众看到它之前。观众还没进影院，网上各种扣帽子的负面舆情就已经发酵完毕，缺席审判的判决书早已开始传播。而这部电影本身，反而没有资格参与对自己的评价——直接被踢出去了。

这套打法有相当稳定的四步手法：截取、去语境、阵营符号嫁接、主体连坐。
而这四步里的每一步，都完全不需要以看过电影为前提。因为看电影反而会拖慢谎言的生产效率。

更关键的是干这事的人是谁。
你把任何一起事件的争议帖按互动量从高到低排，翻一下头部账号的公开认证——非电影垂类的占比相当高。
2023年春节档那起名誉权诉讼留下的法律文书里，被起诉的几个头部账号，认证身份分别是国际时政学者、科普博主、实证博主、游戏博主。一个电影领域的都没有。

为什么是他们？因为他们有三重结构性优势：不承担专业问责成本、只输出冲突而不输出评论、赚钱跟电影行业的死活完全无关。
三条合在一起就是一句话——在今天的平台环境里，对一部电影最不负责任的那种发言，恰好是收益最高、成本最低、且几乎无法被纠错的发言。

这期我会拆五类典型受害案例，会讲《抓特务》这个近乎"对照实验"的样本：同一部电影、同一批观众、同样141分钟，只改了一个变量——先看后评，还是先评后看。院线一亿出头，网播上线当天全平台热榜第一。
我也会讲这套机制怎么从单片蔓延到整个产业：预售期的48小时负循环、我称之为「自我保护式宣发」的极限定档，以及创作端越来越前置的自我审查。

我还会叠几个甲——差评无罪，观众当然有权不喜欢、有权打低分；今天聊的所有电影都不完美；全年票房下滑也不能都推给舆情。
这些必须说清楚，否则容易被带节奏。

最后我给了几条建议。但我提前说：别期待太高。
以我的脑力，甚至请教了AI，也没得出什么让我特别笃定的方案。有一丝无奈在里面。

唯一让我欣慰的是——过去三四年我凭直觉去做的那些线下探索，此刻回头看，它的价值正在不被我掌控地慢慢浮现。
因为人和人之间，只有真正交换过思想，哪怕只是一起八卦，才不会把彼此陌生化。
在艺术上把熟悉的场景陌生化，那是创造力的来源。
可在真实的人际交往里，如果你把对方陌生化了，那是件很恐怖的事——争议会变成争斗，纷争会变成战争，最后是毁灭。

这一期没有嘉宾，只有一个从业者的耐心和一点不甘心。

时间轴：

00:00 为什么要录这期单口：一个憋了一两年、说不清楚的话题
00:50 核心判断：跨界流量猎手的"围剿",电影沦为流量绞肉机
06:16 官方定调：电影局领导两度公开发言，舆论环境已是结构性挑战
09:43 被颠倒的评价顺序：时间点前移、议题转移、评价主体大变样

12:43 关键区分：观众变挑剔是市场成熟，舆情异化则对烂片无害、对表达要命
15:05 受害形态一：历史题材公映前被定性，《澎湖海战》上映前六天取消
16:53 受害形态二：主旋律被政治升格，一段路演阐释被单独剪出
19:28 受害形态三：性别框架裹挟，《出走的决心》《好东西》与撤档的新片

21:43 受害形态四：票房与品质双优等生，也难逃两波互斥的攻击
25:01 受害形态五：《抓特务》的院线与网播落差，一次近似对照实验
30:15 正在发生的案例：《燃烧吧爸爸》两天不到200万，与临时加办的观影会
33:36 四步操作手法拆解：截取、去语境、阵营符号嫁接、主体连坐

38:13 分辨标准：负面声量若主要来自没看过的人，该被质疑的是声量本身
39:28 这些人是谁：头部账号非电影垂类占比极高，法律文书里的样本
41:22 三重结构性优势：不担问责、只输出冲突、赚钱与行业死活无关
47:18 关于境外操作的指认：为何暂时把这个变量摘出去

53:19 产业蔓延一：评分从加分项变成准入门槛，压低一两分流走近半客群
55:14 产业蔓延二：预售期的48小时负循环，与影院经理的排片决策
57:49 产业蔓延三:"自我保护式宣发"与极限定档，中腰部电影用不起的防御工事
01:03:00 产业蔓延四：创作端自我审查前置，题材宽度越收越窄

01:06:55 叠甲：差评无罪、电影都不完美、票房下滑不能全归咎舆情
01:14:15 三个结论：定性前置、主导权迁移、成本渗透到创作
01:19:37 建议一：平台能否把"看没看过"变成分发权重的变量
01:24:00 建议二：行业不再沉默，用长音频长视频对抗截取式传播

01:27:35 建议三：建立第三方舆情档案；建议四：为中腰部电影重建点映模式
01:33:23 从"水军治理"到"定性治理":反网络暴力法征求意见稿的启示
01:36:18 说给同行的话：为建设性表态，还是为流量表态？
01:37:24 结语：共同在场的价值，与"不要把彼此陌生化"

核心专业名词释义

【舆情异化】
本期的核心自创概念，指电影的公共评价机制发生的系统性变质。其核心特征是：
对一部电影的公共定性，在它获得被完整观看的机会之前就已完成，且这一定性在
市场层面起到终局作用。关雅荻特别强调它与"观众变挑剔"是两码事——后者是市场
成熟的标志，淘汰的是粗制滥造；而舆情异化对低质量作品几乎无害，对那些需要
一定语境才能被充分理解的高风险表达却极为致命。

【跨界流量猎手】
本期提出的关键指称，指那些并非影视垂类、却主导电影舆论议程的账号。其认证
身份集中在海外资讯、科技数码、游戏、社会议题评论、科普等板块。他们享有三
重结构性优势：不承担专业问责成本（说错了不影响其本业声誉）、只输出冲突而
非评论、收益与电影行业健康度完全无关。三者叠加的结果是——最不负责任的发言
恰恰收益最高、成本最低且几乎无法被纠错。

【流量套利 / Traffic Arbitrage】
指利用平台算法机制，以极低成本生产高传播度内容并变现的行为。在本期语境中，
其"套利"性质体现为：发言的收益全归账号所有，而说错的代价则由整个电影行业
承担，形成一种不封顶的收益结构。这也是判断相关账号动机的关键——他们的收入
曲线与某部电影是否被过早处决毫无关系。

【去语境 / Decontextualization】
四步操作手法中的第二步，指剥离某个片段的前后叙事支撑，使其脱离原有意义框
架。关雅荻指出这是整套手法的关键：所有的辩护、讲道理、艺术评论都依赖语境，
而语境极大抬高了传播成本——观众需先投入两小时看完全片才有资格评价，但碎片
化传播只需几秒就能完成一次莫须有的指控。传播成本的不对称，正是这套打法能
够奏效的底层原因。

【阵营符号嫁接】
四步操作手法中的第三步，指将去语境后的碎片接入一个受众无需思考即可站队的
对立框架。可用框架高度稳定且数量有限：性别（打拳/大男子主义）、历史（虚无
主义/美化洗白）、意识形态（立场问题/渗透）、民族情绪（辱华）等。框架有限
反而带来极高的生产效率——任何一部新片，都能在几分钟内被塞进其中一个甚至多个。

【主体连坐】
四步操作手法中的第四步，指争议从作品文本升级为对创作主体的动机判断与"成分"
判断：说电影有问题不够，还要扩大到主创有问题、出品方有问题、背后的资金有
问题、这家公司的其他项目也有问题。关雅荻在节目中对"成分"一词的使用表达了
强烈的警惕，认为这是话语层面的严重倒退。

【缺席审判】
本期借用的法律隐喻，指被告未到庭情况下作出的判决。用于形容电影在尚未公映、
无人看过的前提下，其历史观、政治立场、价值取向就已被网络舆论逐一筛过并完
成定性，而电影本身完全没有参与对自己评价的资格。

【自我保护式宣发】
关雅荻在线下活动中率先提出的概念，指片方主动压缩影片暴露在舆论场的时间窗
口，以规避舆情定性风险的宣发策略。典型表现为极限定档（提前五到七天官宣）、
物料能不发就不发、预告片刻意不透露真实故事内容。传统宣发的逻辑是拉长曝光
周期让口碑发酵，这一策略则完全反过来。其代价高昂——只有具备短时间市场动员
能力的大制作、大明星项目才用得起，中腰部影片使用无异于自掘坟墓。

【极限定档】
自我保护式宣发的具体形式，指影片提前极短时间才宣布公映档期。2026年暑期档
出现集中现象：《功夫女足》提前五天、《欢迎来龙餐馆》提前六天、《抓特务》
提前七天。与之并存的是同档期七八部影片的临时撤档。这一策略客观上进一步挤
压了中腰部影片的生存空间，因为它们既没有短窗口的爆发能力，也没有长窗口的
抗压能力。

【48小时负循环】
描述舆情如何在极短时间内锁死一部影片市场命运的机制。链条为：预售期负面定
性形成 → 影院经理据此给出偏低的初始排片 → 低排片压低首日票房 → 低首日票房
触发次日排片进一步下调。由于全国有上万名排片决策者在微信群中实时交流，这
一循环可在48小时内跑完。而预售期恰恰是舆情作用效率最高的窗口——此时几乎无
人看过影片，公众认知全靠物料与二手评论支撑。

【评分准入门槛】
指电影评分的功能变化。据灯塔研究院基于2025年市场的调查，约五成观众将豆瓣
8.0分或购票平台9.0分作为内容质量的可信标准，而评分低、评价差是观众放弃入
场的头号原因。这意味着评分已从"加分项"变成"准入门槛"——一部影片若开分被压
低一两分，流失的并非那一两分的好感，而是接近一半的潜在购票人群。

【自我审查前置化】
指风险规避从宣发端向上游创作端的蔓延。创作者与投资方在立项、写剧本阶段就
需提前判断题材是否"浑身都是舆情基点",并据此拆解、转换创作思路，或直接删
除可能被截取的风险点，最极端的情况是整类题材干脆不再涉足。关雅荻认为，这
套机制的终点不是烂片变少，而是有棱角、有个性、有创造性的表达变少——这是最
昂贵的代价。

【渐冻症（市场）】
关雅荻在《开放对话》第337期分析2026年春节档时提出的比喻，形容市场在缓慢
萎缩下的结构性危机。本期他对这一判断做了补充：被冻住的不只是消费端的观影
意愿，还包括供给端的表达意愿、发行端的主观能动性，以及资金的流向。最直观
的体现是——宣发的目标从"怎么让更多人看见"退化成了"怎么让人少看见一点"。

【不需要指挥者的合谋】
本期最核心也最令人不安的结论。关雅荻明确指出，目前没有证据证明这些跨界账
号存在统一的幕后指挥，而这恰恰可能是更糟糕的情况：每个参与者都只是在追逐
自己那点流量，无需任何组织者，却能通过共同的激励机制自发形成合谋效果，在
技术层面完成对一部电影乃至一个题材类别的绞杀。

【差评无罪】
关雅荻在节目中反复强调的立场边界，属于其主动"叠甲"的部分。观众有权不喜欢、
有权打低分、有权表达失望与不满，差评是评价体系中最正当的组成部分。他划出
的界限是：正当批评以作品为对象、以理解为目的、结论可被同样看过的人复核；
而舆情异化则绕开文本、以制造惩罚为目的，其收益与结论正确与否毫无关系。

【定性治理】
本期提出的治理思路升级方向，相对于现行的"水军治理"而言。现行整治框架（如
清朗行动）假设的对象是虚假账号与虚假互动量，属于"指哪打哪"的传统打法。但
当下面对的是真人真账号在真实地制造冲突与恶意攻击，治理逻辑必须调整。关雅
荻提到，2026年《反网络暴力法（征求意见稿）》已涉及异常账号动态检验、公众
账号责任、流量与资金支持的禁止性规定，并明确"合法的舆论监督不适用于该法",
为治理与言论自由划出了界限。

附录二　公开报道与官方媒体文献索引

这份索引特意按照分类重新排了顺序，就是为了说明中国电影的舆论环境问题，已经是主管部门、中央级媒体、专业财经媒体、产业媒体和学术期刊共同关注的公共议题，这早就不是一个「小问题」了。

一、主管部门公开表述
[1] 毛羽：《在「2025文化强国建设高峰论坛电影业高质量发展论坛」上的致辞》，2025年5月27日。https://www.bjiff.com/bannergdtp/202510/t20251015_188380.html ；转载见腾讯新闻 https://news.qq.com/rain/a/20250527A02WYA00
[2] 毛羽：《在「第七届中国电影新力量论坛」上的致辞》，2024年8月29日。https://news.qq.com/rain/a/20240829A0280W00 ；相关报道见财新网 https://m.caixin.com/m/2024-08-29/102230988.html 、观察者网 https://www.guancha.cn/politics/2024_08_29_746464.shtml
[25] 国家互联网信息办公室：《关于〈中华人民共和国反网络暴力法（征求意见稿）〉公开征求意见的通知》，2026年7月29日。https://www.cac.gov.cn/2026-07/29/c_1787072711938509.htm

二、中央级媒体评论与报道
[26] 环球时报社评：《坚决反对一些人网暴〈南京照相馆〉》，2025年7月31日。https://news.qq.com/rain/a/20250731A01YFH00 ；转载见澎湃新闻 https://m.thepaper.cn/newsDetail_forward_31267045
[27] 首都文明网：《泼污〈南京照相馆〉，安的什么心？》。https://www.bjwmb.gov.cn/wmpl/10104530.html
[28] 新华网：《〈南京照相馆〉：亮出历史真相的底片》，2025年8月27日。http://www.news.cn/ent/20250827/7d7b31d71dac40138dde2ecf1bc48e31/c.html
[29] 人民网：《人民热评：绝不能让网络水军浑水摸鱼》，2025年7月7日。http://opinion.people.com.cn/n1/2025/0707/c436867-40516458.html
[30] 人民网：《2025年「清朗」行动重点开展8项整治任务》，2025年2月21日。http://politics.people.com.cn/n1/2025/0221/c1001-40423254.html
[31] 光明网《文艺观潮》：《探索中国艺术电影的破局之道》，2026年2月4日。https://news.gmw.cn/2026-02/04/content_38577024.htm

三、财经与专业媒体
[3] 新浪财经：《2026上半年电影总票房仅173亿元 暴跌超40%》，2026年6月30日。https://finance.sina.com.cn/tech/roll/2026-06-30/doc-iniffcps6563558.shtml
[4] 《金融时报》：《2026中国电影市场半年观察》，转载于中国人民大学新闻网。https://news.ruc.edu.cn/2075475062769778690.html
[6][7] 腾讯新闻：《最后五天，〈澎湖海战〉决定撤了吗？》，2026年7月20日。https://news.qq.com/rain/a/20260720A0923100 ；联合新闻网：《〈澎湖海战〉上映前6天突然喊卡》，2026年7月19日。https://udn.com/news/story/7333/9639380
[12] 澎湃新闻：《〈抓特务〉拍得很工整，为什么没人看？》。https://m.thepaper.cn/newsDetail_forward_33437991
[13] 虎嗅：《冯小刚新片〈抓特务〉票房低迷，第五代导演商业解释权转移》。https://www.huxiu.com/article/4869639.html
[14] 腾讯新闻：《电影〈抓特务〉口碑逆袭！评论区画风突变》，2026年9月1日。https://news.qq.com/rain/a/20260901A04HYU00
[21] 虎嗅：赵简一《电影极端舆情，是戾气外露还是因果报应？》，2026年7月5日。https://www.huxiu.com/article/4872729.html
[22] 中新网：《大片带动下的2025电影市场 口碑成吸引观众的「入场券」》，2025年12月19日。https://www.chinanews.com/cul/2025/12-19/10536383.shtml
[23] 界面新闻：《「史上最乱暑期档」：〈功夫女足〉「闪现」开球，〈牛来〉「抽象」逆袭》。https://m.jiemian.com/article/15041475.html

四、影片个案报道
[5] 中华网、新浪等关于《援军明日到达》2024年5月宣传物料下架与撤离档期的报道。
[8] 网易：《〈四渡〉：聊聊这部电影的几处硬伤》。https://c.m.163.com/news/a/L11ITSJQ05158MSD.html
[9] 见[21]所引产业数据。
[10] 腾讯新闻：《〈开个玩笑〉定档7月3日》，2026年6月5日。https://view.inews.qq.com/a/20260605A00GW000
[11] 新浪新闻：《〈欢迎来龙餐馆〉爆火却陷反战争议》。https://k.sina.com.cn/article_7880068330_1d5b04cea06801c2lm.html
[15] 新浪娱乐：《〈燃烧吧！爸爸〉的豆瓣评分是多少？》，2026年9月1日。https://ent.sina.cn/2026-09-01/detail-iniqhfqf8487734.d.html
[16] 新浪财经：《影评精选丨金爵奖主竞赛单元参赛影片〈燃烧吧！爸爸〉》，2026年6月13日。https://finance.sina.com.cn/jjxw/2026-06-13/doc-inicfvnv1609990.shtml
[17] 新浪娱乐：《电影〈燃烧吧！爸爸〉原名〈敲碎爸爸头盖骨〉的由来是什么？》，2026年8月21日。https://ent.sina.cn/2026-08-21/detail-inipavkf6399832.d.html

五、学术研究
[19] 《短视频意见领袖对电影宣发话语权的重构异化》。https://www.fcipub.org/articleDetail/3890?periodicalId=4

六、本文作者的相关公开讨论
[20] 关雅荻关于《功夫女足》口碑与票房背离的分析，2026年7月13日于上海录制的映后讨论，相关观点经媒体转述。https://www.sina.cn/news/detail/5320706002780706.html 、https://www.sina.cn/news/detail/5319987599247802.html
[24] 《关雅荻·吾爱西尼马》第229期《中国电影的世界视野》（2026年8月9日）、第230期《厨子与战争》（2026年8月13日），关于《欢迎来龙餐馆》空降极限定档作为自我保护性宣发的讨论。https://www.xiaoyuzhoufm.com/podcast/64992bc0932f350aae1808dc
[32] 《关雅荻·开放对话》第330期《2026中国电影春节档深度观察：市场「渐冻」下的结构性危机与认知重塑》。https://www.xiaoyuzhoufm.com/podcast/5ea23918418a84a0467add26

七、过往类似案例
[18] 光明网等关于2023年《满江红》片方名誉权诉讼的报道，2023年1月29日。

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*本期录制于2026年8月28日，西安
**本期完整版110分钟，烦请移步「关雅荻·刹极9秒」专辑订阅收听，感谢支持

本期主要内容：

2026年的中国电影，正在发生一件比票房涨跌更重要的事：电影本身正在被重新定义。

这场西安现场对话，从两部几乎处在两个极端的作品聊起。一边是制作成熟、完成度很高的《欢迎来龙餐馆》，另一边是极度粗粝、低成本，却被网友重新发现、重新传播，甚至由观众完成“二次发行”的《牛来》。
为什么这样两部电影，都能在同一个暑期档找到自己的观众？

关雅荻提出一个判断：中国电影正在从“看电影”进入“挑电影”的时代。今天的观众不再天然把去电影院当作日常娱乐，而会先问：这部电影跟我有什么关系？同一个人完全可以喜欢《龙餐馆》的成熟与情感，也可以因为猎奇、参与感和互联网文化走进《牛来》。观众之间没有天然的审美等级，真正变化的是每个人在不同时间需要怎样的精神满足。

围绕《牛来》，讨论也从Naive Camp一路延伸到美术史。有人看到了霍克尼、克里姆特、毕加索甚至亨利·卢梭的影子。关雅荻认为，这些联想并不能反过来证明创作者拥有相应的艺术自觉，却提醒我们：被成熟电影工业长期训练出来的“好”与“美”，也许并不是唯一标准。

当话题进入AI时代，问题变得更直接：今天的年轻创作者，到底还缺什么？
答案可能已经不只是钱和技术。

“我们现在不缺算力，我们缺的是心力。”

所谓心力，是对自己判断的笃定，是排除噪音的能力，也是当所有工具越来越强时，依然知道自己为什么创作、为什么行动、为什么还需要与真实的人发生关系。
所以这期节目最后谈的，已经不只是《牛来》或《龙餐馆》。

而是一个更大的问题：
当一切都越来越容易被生成，我们为什么还要走出家门，去电影院、去剧场、去线下，和真实的人坐在一起？
也许电影没有衰落。

它只是正在等待我们重新回答：今天，我们为什么还需要它。

时间轴：

00:00 本期导言
04:00 从《欢迎来龙餐馆》到《牛来》，两部走向极端的电影，为什么值得放在一起讨论？
10:45 从“看电影”到“挑电影”：今天观众首先要回答的，已经是“为什么我要去电影院？”

16:42 周星驰、AI肖像授权与《功夫女足》：电影营销正在进入IP、算法与生成式AI共同参与的新阶段。
22:16 当影院数量首次出现下降，如何重新理解2026年中国电影正在面对的产业拐点？
25:42 《牛来》并非真正“零发行”：没有传统宣传营销，却完成了进入全国院线所需的最低发行准备。

32:35 完成度与真诚需要二选一吗？《牛来》为什么可以极不专业，同时又让人感受到创作者的执念？
34:38 什么是Naive Camp？当创作者认真做砸了，失败本身为什么会变成观众新的审美对象？
41:14 从霍克尼、克里姆特、毕加索到亨利·卢梭：美术生为什么能从《牛来》里读出另一套艺术史？

52:47 关雅荻为什么说自己不是传统影评人：比解释票房更重要的是理解“此刻我们为什么还需要电影”。
56:29 我们到底需要怎样的文艺作品？比寻找唯一的“好作品”标准更重要的，也许是让市场保持百花齐放。
01:01:12 《牛来》真正值得保留的启示：给笨拙、暂时不能被理解的表达留下进入公共文化空间的可能。

01:08:37 从《龙餐馆》谈“新主流电影”：中国类型片能否逐渐建立自己的主体性与叙事方式？
01:12:51 《牛来》无法成为宣发模板：特殊案例不能推翻“守正出奇”，专业工作仍然必须做到位。
01:15:36 一个“尾部电影”编剧的现场提问：当二三十分的《牛来》意外成功，那些努力做到五六十分却无人看见的创作者怎么办？

01:22:52 电影院还能提供什么？除了作品质量、谈资和情绪价值，我们越来越需要一种不可替代的“现场”。
01:25:45 把影院重新变成社区公共空间：从240场左右观影会到狂喜播客节，电影院为什么可以远远不只是放电影？
01:31:52 为什么有人宁愿先看《牛来》，再看《龙餐馆》？观众的选择正在突破传统年龄、性别和城市画像。

01:36:51 创作者或许该放下“男女老少都喜欢”的执念：未来作品越纯粹，越可能自己找到真正的观众。
01:41:59 AI时代为什么反而更需要线下？不缺算力之后，我们缺的是心力，以及活在具体行动里的能力。
01:48:27 电影、播客、音乐会与线下活动的共同意义：我们并非被动接受文化，也在用自己的肉身和选择参与它的重新建构。

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