艺术有读

大卫 · 霍克尼(1937 - 2026) 近日逝世，重发一期节目，聊聊大卫 · 霍克尼撰写的和绘画与观看有关的书籍。

关键信息

大卫 · 霍克尼，英国画家、版画家、舞台设计师及摄影师，1937年出生于英国布拉德福德。11岁立志当艺术家，后来就读于皇家艺术学院, 霍克尼以肖像画与景观画闻名。霍克尼认为传统西方绘画艺术将观者挡在画面之外，让观者处于被动位置。他希望借助创作打破这样的隔阂，提供更为主观的视角，让观者得以体验画里的时间与空间观。
https://www.zaobao.com.sg/zlifestyle/culture/story20170703-775934

《隐秘的知识——重新发现西方绘画大师的失传技艺》，大卫·霍克尼在这本书中提出了一个吸引人的理论，不仅指出西方一些伟大的艺术作品是借助镜子和透镜画成的，而且讲述了光学镜头的观看方式如何逐渐主宰绘画作品面貌的过程。
https://book.douban.com/subject/20411692/

《更大的信息:戴维·霍克尼谈艺录》是这位艺术家与艺术批评家马丁·盖福特对话的记录，这一对话历时十多年，涉及他从事艺术的方方面面，他的生活和艺术经历，他的艺术激情的来源，他对历史上许多经典大师和现代艺术家的认识和分析，谈话随意自由，诙谐幽默，妙语横生，始终围绕艺术的价值，艺术的生命力和人无穷无尽的创造力展开。
https://book.douban.com/subject/26856068/

1983年，霍克尼在纽约大都会博物馆初次看到中国手卷《乾隆南巡图》，他发现了一种完全不同于西方的透视的观看方式——散点透视，也确认了他在摄影中多点透视的新发现。这和传统西方人的思维里，认为观看者从一个固定的角度就能看到全局很不一样。这次发现之后，霍克尼转向了摄影和新的观看方式的创作，被称之为“霍克尼式”拼贴。这也成了霍克尼一生创作的主题。他认为“摄影从绘画而来，现在又将回归绘画。
大卫·霍克尼1971年在加州创作的作品 《艺术家的肖像：水池、人和他的影子》，色彩明亮、构图简洁，阳光下、泳池边站立的是彼得·施莱辛格 (Peter Schlesinger)，当时霍肯尼的学生与恋人，霍克尼的泳池系列都表现出他迷恋把男人的身体放置在水中景象。
纪录片《水花四溅》，描述的是现画家大卫·霍克尼（DavidHockney）艺术创作和感情生活的1975年的纪录片《水花四溅》（A Bigger Splash）由杰克-哈赞（Jack Hazan）执导的《水花四溅》，用摄影镜头真实记录了1970年代早期已经成为国际知名绘画艺术家的霍克尼的创作、感情生活以及从英国前往美国的过程。影片还结合了真实记录和电影创作的形式，呈现霍克尼与男友的感情关系、和两人后来的分手对霍克尼艺术创作的影响。
https://movie.douban.com/subject/2084419/

《四季》，2010年大卫·霍克尼的作品，作为一位画家，却拍了多个视角去拍固定的风景，也就是春夏秋冬四季英国的家乡，和他提倡的艺术概念一样，希望透过他的作品去打破单点透视的传统西方绘画的习惯，因为他认为单点视角有点无聊，不能提供足够的信息和视觉感受给观者。
https://v.qq.com/x/page/m01524gultr.html

霍克尼2009年用iPhone 用大拇指绘画，而2010 年用ipad 绘画。因为1991 年Adobe 软体发布会给霍克尼一个很大的震撼，人们可以开始在照片上绘画，创作主决权又从摄像头回到人类的手，打破照片的单一视角概念，在画面上可以结合众多不同视角，让观众同时可以感受多视角的视觉呈现，与他提倡的立体主义有着相似之处。
BBC 纪录片《霍克尼隐秘的知识》，大卫·霍克尼说，西方古代绘画大师之所以画得那么逼真，是因为他们用了一个失传的秘密方法，也就是光学仪器。但是那种逼真在大卫·霍克尼看来，是虚假的，只不过是一种真实的幻象，而不是我们眼睛真实感受到的有生命的东西。与西方古代绘画不同，当代西方和古代东方，包括中国，一直都是画家以自己的肉眼观看和描绘世界，用心灵体味世界。
https://blog.csdn.net/qq_36982160/article/details/80651031
上集：https://www.bilibili.com/video/av8755453/
下集：https://www.bilibili.com/video/av8856700/

《中国日记》描述的是1981年，44岁的英国艺术家大卫·霍克尼 (DavidHockney) 与72岁的英国诗人斯蒂芬·斯彭德 (StephenSpender) 从美国出发来到中国，在三个星期的时间里，一行人先后游历了香港、北京、西安、南京、杭州、无锡、上海、桂林、广州等地。著名诗人、评论家斯彭德用文字写下当时的所见所闻和所感，既是画家又是摄影师的霍克尼，用画笔和相机记录下20世纪80年代初的中国面貌。对于他们来说，《中国日记》的内容“就像三个小学生第一次出远门一样新鲜”。
https://book.douban.com/subject/26859829/
11.《忠于生活》，由大卫·霍克尼亲自推荐：“劳伦斯是我的老朋友，他的这本书完整地记录了我在艺术上的探索，值得一读。”
https://book.douban.com/subject/26362927/
延伸阅读
相关书籍
图画史: 从洞穴石壁到电脑屏幕
https://book.douban.com/subject/26926880/
我的观看之道
https://book.douban.com/subject/26963037/
热爱生活——大卫·霍克尼作品集
https://book.douban.com/subject/30245144/
霍克尼论摄影: 和保罗.乔伊斯的谈话录
https://book.douban.com/subject/1891054/
相关电影和纪录片
伟大艺术.S02E01.大卫·霍克尼
https://www.bilibili.com/video/av24628895/
与中国皇帝的大运河一日游
https://www.youtube.com/watch?v=FvZmKMEdetY
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艺术有读第119期
《没有人真正看完威尼斯双年展：一份不完全的双年展观看指南》
时长：43分钟
嘉宾
独立策展人：巢佳幸
Hi 艺术主编：罗颖
主播
Tabula Rasa 三米画廊主：Sammi

收听导航丨Index
03:00 罗颖的第一感受：第三次看威尼斯，认为主题展令人失望，视觉上混乱、作品与阐释有割裂感。
05:34 巢佳幸的第一感受：从2013年以来多次观看威尼斯，认为本届“小调”与过去宏大叙事形成反差。
06:20 策展结构与政治态度：讨论非洲裔与非洲本地艺术家比例、没有中国艺术家和意大利艺术家的选择。
07:04 诗歌化的观看节奏：章节导览改为诗歌文本，蓝色挂幕与文字营造更安静、舒适的观看方式。
09:00 策展中最兴奋的部分：巢佳幸谈策展人与艺术家、思想者、社区之间长期形成的情感与知识联系。
09:48 “学校”作为方法：讨论七个不同地区的学校项目，以及艺术创作如何与社区和创造性思维共同工作。
12:20 理念与作品的落差：罗颖回应，认可策展理念，但认为作品本身的冲击力与展签阐释之间并不对等。
17:58 国际艺术语言：主持人提出是否存在“国际艺术语言”，以及熟悉与陌生的视觉语言如何影响观看判断。
20:40 策展人的流动身份：讨论Koyo Kouoh的跨文化背景、跨领域思想网络，以及这些经历如何影响本届策展。
22:00 艺术家的跨国身份：从Michael Armitage谈起，讨论混合身份、非洲当代艺术、市场标签与作品质量之间的关系。
24:00 Michael Armitage与时代条件：进一步讨论艺术家如何“符合”当下国际艺术系统的多重期待。
26:30 国家馆印象：转入国家馆讨论，罗颖谈德国馆萧昶的作品、建筑外立面改造与东德记忆。
29:40 乌克兰馆：罗颖认为乌克兰馆是此行最有触动的展览之一，策展、艺术家选择与空间利用形成整体力量。
32:50 国家馆的政治属性：巢佳幸谈越南馆、台湾馆、德国馆与奥地利馆，讨论国家馆本身的政治结构。
35:55 主展与国家馆的观看差异：比较主展的“减商”方式与国家馆的强度，并引出南非馆争议。
36:40 南非馆争议：讨论被取消的南非艺术家项目，以及作品转到非官方场地后引发的媒体关注。
38:00 冷门推荐：嘉宾推荐较少被提及、但值得观看的展览与时间性作品。
40:00 阿布拉姆维奇展览：罗颖谈威尼斯美术学院展览与1977年行为作品重演带来的现场体验。

相关内容：
1.第61届威尼斯双年展主题为“小调”（In Minor Keys），明确提出要关注那些非生产性的、即兴的、微弱的时刻。这不仅仅是美学的选择，更是试图在主流历史叙事的裂缝中，寻找那些被遗忘的、微弱的个体声音，使观众在感官、情感和主观性方面进行连接。

2.伊萨·桑布（Issa Samb）在绿城花园 (Giardini)的中央馆 (Central Pavilion)展示作品《神龛》(Shrine)，以“达喀尔庭院工作室”的精神为内核，布置了一个充满衣物、面具、玩偶等物的空间，象征思想交锋与实验的活跃场域。
在军械库展示作品《无题》(Untitled)，描绘可能象征“阈限”的门槛形象，反映桑布对存在状态的哲学思考。

3 策展人以“学校”为单元邀请6个来自全球各地的艺术家主导机构，分别是：
1. RAW Material Company(塞内加尔)
2. Guest Artists Space (G.A.S.) Foundation(尼日利亚)
3. Nairobi Contemporary Art Institute (NCAI)(肯尼亚)
4. blaxTARLINES KUMASI (加纳)
5. lugar a dudas (哥伦比亚)
6. Denniston Hill(美国)

4.其中NCAI学校由肯尼亚艺术家Michael Armitage成立于2020年，图中为NCAI团队，旨在以传统倡议为基础，讲述塑造该地区当代艺术场景的艺术家和项目的故事。通过参加展览、东非艺术档案馆的开发、公开的演讲计划和多学科教育计划，为观众提供鼓舞人心的文化空间。

5.Michael Armitage艺术家在威尼斯格拉西宫举办的大型个展《变革的承诺》。

6.在第61届威尼斯双年展上，位于主展区军械库 (Arsenale) 的炮兵大厅(Artiglierie)，由摩洛哥艺术家阿米娜·阿盖兹纳伊（Amina Agueznay）创作的《Asǝṭṭa》——一场祭祀的编织。

7.本届威尼斯双年展共有99个国家参与，其中，七个国家首次参展，包括几内亚、赤道几内亚、瑙鲁、卡塔尔、塞拉利昂、索马里和越南。此外，俄罗斯在缺席多年后也重返展场，呈现出多元化与国际协作的特点。

8.德国馆与乌克兰馆平行展，德国馆是对特定民族历史记忆的深入挖掘与考古，其力量在于沉痛、内省与直面。乌克兰馆是一场发生在当下的、具有鲜明指向性的多声部合唱。

9.奥地利馆——本次被议论最多、排队最长的展馆。

10 “非官方”的南非馆， 南非艺术家加布里埃尔·戈利亚特（Gabrielle Goliath）策划已久的项目，原定代表南非正式参展，但在1月被政府叫停。 她展出的是一件关于哀悼与纪念的长期项目，这次版本特别献给在加沙战争中去世的巴勒斯坦诗人 Hiba Abu Nada，以及种族与性别暴力中的遇难者。在艺术家的坚持下，它最终以一种更为强大的姿态，出现在了双年展的“外围”。在 Chiesa di Sant’Antonin 展出。

11.本次foundation inbetween film为“不确定三部曲”的终章《Canicula》，整个展览共有十位艺术家，其中有以下两位中国艺术家：
王拓：《The Experimental Paradigm of Ownership and Autonomy》探讨中国艺术家在当今经济政治环境下的创作策略
王宇菡：作品探讨数字时代的监视与观看

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本期借中国美术馆和纽约大都会同期举办的两个展览，祺四畅聊她的男神白月光拉斐尔，以及拉斐尔所创作的理想男子美。

第一百一十八期 拉斐尔——美男子制造机

时长：69分钟

主播
· 胡湖：ArtJeff 创始人

嘉宾
· 祺四
荷兰莱顿大学博士，西方艺术史学者，著有《八卦艺术史》、《珠宝传奇·中世纪》等畅销书，新书《趣说西方艺术史两千年》、《画中繁花：花语艺术史》已由人民文学出版社出版。

剪辑&图文编辑：胡湖

收听导航丨Index
03:12 拉斐尔，祺四的白月光
05:16 中国美术馆这次带来三张拉斐尔
06:25 布达佩斯的拉斐尔，“一定要和合影”
14:50 拉斐尔的艺术是华尔兹，是完美的圆
19:25 拉斐尔的吸星大法
22:23 苹果男，竟是当时著名的美男子
28:20 肖像画在当时的用处
39:22 《独角兽与年轻女子》
41:05 拉斐尔的花边新闻
44:50 与此同时，纽约大都会的拉斐尔大展
50:55 祺四最爱的拉斐尔手稿《圣容显现》
52:43 “美国的拉斐尔之光” ——最美银行家

相关展览：

“致敬巨匠：从达芬奇到卡拉瓦乔 意大利文艺复兴名作展”
2026年4月28日至8月28日，北京，中国美术馆
展出乌菲齐美术馆借展的36件作品

“拉斐尔：至美诗篇”
2026年3月29日到6月28日，纽约，大都会博物馆
展出全世界各地170余件拉斐尔真迹

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艺术有读117：一堂给小学生的特别艺术课
时长：24min
嘉宾：Peter Liversidge
主持：Sammi Liu

今天这一期《艺术有读》，要聊的这本书叫做

《抗议笔记 Notes on Protesting》。

它不是一本传统意义上讨论“抗议”的理论书，
而更像是一件艺术项目留下来的出版物：
里面有文字，也有大量图片，记录了一次围绕“抗议”展开的合作、排练和表演。

这件作品的起点，其实来自2010年前后的一段历史背景。
当时中东地区有一系列抗议运动，从叙利亚到埃及。

艺术家Peter liversidge 在电视新闻里持续看到这些画面，
慢慢注意到一件事情——

在这些抗议中，有不同年龄的人参与，
但孩子，几乎是没有声音的。

于是他开始去想：
如果从孩子的角度去理解“抗议”，会是什么样？

这个问题，后来被带进了一间小学教室。

他和一群8到9岁的孩子，一起工作了四个月，
从最简单的问题开始：
什么是规则，
如果你不喜欢规则，你可以怎么办。

他和孩子们一起讨论
什么是公平
发生不公的时候，如何发声？

在今天的语境下，我会觉得看起来最基本的公民教育，是非常缺失的。

同时这个过程，是通过音乐、通过集体创作完成的。

他们一起写歌。

有一首歌里，有一句话从
“I want to change my confidence”，
变成
“we want to change”。

从“我”，变成“我们”。群体的归属感变为最强的信心来源。

到后来，这个项目其实也从一个课堂变成了一个合作过程。
很多内容都来自这些孩子，
而不是被提前设定好的。

这本书的作者，是英国艺术家彼得·利弗西奇（Peter Liversidge）。

如果要理解他的创作，“提案”（proposal）是一个很核心的关键词。

他长期通过写“提案”的方式工作——
把一个可能发生的行动、一个想法，写下来。

他在泰特现代美术馆做过一个很重要的项目，叫 “The Bridge”。

它是他为泰特现代新馆开放而创作的一组声乐作品，由 24 个来自伦敦不同背景的合唱团、共 500 多位业余歌者在 漩涡大厅演出。

#艺术有读 #peterliversidge #notesonprotesting

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艺术有读116
衣裙与战场之间：读《肉不如竹》
时长：53分钟
主持：Sammi，Tabula rasa 画廊主
嘉宾：张宇凌，作家，艺术史学家，著有《竹不如肉：西方古代艺术史上的权力和身体》

今天这一期，我们聊一下作家，艺术史学家张宇凌的新书——《肉不如竹：洛可可，战争艺术家和历史疗愈》。几年前，我们在节目里讨论过她的上一本书《竹不如肉》。那本书以“身体与权力”为线索，重新梳理西方艺术史中的观看与规训。这一次，她没有把“身体与权力”写进副标题，却把问题放进了两个看似毫不相干的历史场景——18世纪的洛可可，启蒙运动，20世纪英国的战争艺术家。在这两个尺度之间，她讨论趣味、身体，空间、国家、技术，也讨论我们今天在AI时代所经历的拉扯与焦虑。这本书的结构并不是线性的艺术史，而是一种跨时空的并置。感性与理性、权力与战争、技术与自我，在不同历史节点上同时显现和呼应。

读完这本书，我慢慢意识到，张宇凌真正关心的，并不是某一个时代的风格，也不是某一场战争的视觉记录。
她关心的是一种结构。在18世纪，洛可可与启蒙并非对立，而是相互吸引、彼此缠绕的力量， 感性与理性、私人空间与公共讨论同时存在。在20世纪，战争艺术与迷彩技术又展示了另一种视觉秩序：身体如何被国家动员，视觉如成为战略。也许这就是她的历史观——历史不是线性进步，也不是简单轮回。它更像多块板块同时运动，在不同的时间节点重新组合。当她在终章谈到AI、虚拟世界与身体焦虑时，她并不是在突然转向现实议题。
她是在告诉我们：这种拉扯，从来都存在。而她所说的“疗愈”，不是消除撕裂，而是在撕裂中学会共处。

This episode discusses Rococo, Enlightenment, British war artists, camouflage, and visual culture studies关键词：洛可可｜启蒙运动｜战争艺术家｜视觉文化｜张宇凌｜肉不如竹｜艺术史｜AI｜身体与权力

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