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本期提要：
本期节目承接上一期从伪类型学到伪人的讨论，先从上海 Photo Fairs 的观展体验切入，再逐步转向「活人感」「伪人」与算法环境。开头部分。
「活人感」并不是一个天然褒义词，而是在人的自然气质、真实行为方式逐渐缺失之后，人们用一种表面上「像活人」的感觉去替代本体时产生的概念。
节目首先补充了对杜塞尔多夫学派展览单元的观察。托马斯·鲁夫关于劣质图像主题的大幅作品被认为必须在现场观看，才能感受到从远看清晰、近看马赛克的「赛博结构感」；古斯基作品则代表了高度精良的照片制作标准；坎迪达·霍夫的空间组织能力引出「超构图」的说法。杜塞新生代艺术家已不再简单延续类型学，而是在形式完备之后寻找新的实验方向。
也谈到了Photo Fairs 的整体生态，画廊选品、作品包装、职业艺术家与纯粹创作者的分化，以及老牌画廊、新画廊和年轻藏家之间的代际变化。
本期的核心论述。当代社会的「像」已经从山寨商品转移到人本身：人们通过服装、语言、照片、知识感、艺术气质和生活方式来制造人设，用可见信号替代真实积累。所谓「伪人」，正是这种「感觉替代本体」的结果：AI 文案像人说话，网红账号像人在生活，品牌账号像在共情，但它们缺少具体处境、真实反应和不可预测性，形成一种社会层面的「恐怖谷」。节目进一步分析了「仪式感」「高级感」「松弛感」如何被商业和平台奖励，奢侈品广告如何利用「买不起」的感受制造情绪价值。结尾部分，主播指出算法偏好同质化、刺激性和可复制的内容，使深度思考与真实表达不断被压缩。真正的艺术和生活不应只停留在「像某物」，而应能让人感到它从真实的人、时间、处境和问题中生长出来。

如果想先听继续上期内容的部分，可以直接跳转到20:56处。

时间线：
00:00 开场与主题回顾：承接上一期「伪类型学到伪人」的讨论，引出「活人感」这一关键词，说明它来自自然气质和真实行为方式缺失后，表层感觉对本体的替代。
01:49 Photo Fairs 与杜塞尔多夫学派：从上海 Photo Fairs 观展体验切入，重点谈托马斯·鲁夫的劣质图像、古斯基的精良制作，以及坎迪达·霍夫对空间结构的「超构图」式把控。
07:47 杜塞新生代与类型学之后：讨论杜塞尔多夫学派新生代艺术家的实验性探索，指出当类型学形式趋于完备后，新的创作需要离开既有范式，寻找自己的语言。
10:00 Photo Fairs 的展会生态观察：转向画廊选品、销售型展览的呈现问题，以及部分作品依赖奇观、规模和包装制造震惊，却缺少内在支撑的现象。
16:03 画廊与藏家的代际变化：谈老牌画廊的疲惫、新兴小画廊的灵活，以及年轻藏家更重视审美和个人喜好，而非单纯追逐名气与升值潜力。
20:56 「活人感」与「像」的逻辑：回到核心概念，说明「活人感」类似「仪式感」「松弛感」，往往意味着本体缺失；随后追溯「像」如何从山寨商品转移到人设和身份表演。
24:17 人设、身份信号与伪人：分析知识感、艺术气质、名媛感等可复制的人设信号如何被持续输出、通胀和污染，并引出「伪人」作为当代人对网络真实性焦虑的集中表达。
30:14 社会恐怖谷与感觉替代本体：讨论 AI 文案、品牌账号、网红人设为何「像人在表达」却缺少真实处境和不可预测性，进而形成社会层面的「恐怖谷」。
34:28 精致感、奢侈品与商业植入：从「精致感」「高级感」「松弛感」谈到商业营销如何植入价值判断；奢侈品广告通过制造「买不起」和被围观的感觉，提供情绪价值而非实用价值。
43:51 算法、伪人文化与真实的价值：讨论算法如何偏好同质化、刺激性内容，迫使创作者向平台逻辑妥协；结尾回到不完美、随机性和具体处境，强调真实艺术与真实生活不能只停留在「像」。

这期提到的梗图
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「曝光补偿」是Tim在创作之余的一档以闲聊为主的播客栏目。 节目内容通常是无心插柳，或是节外生枝。
以及，胡说八道对于Tim来说是一种心理建设的方式。
关于Tim
Tim是一个差点就当了程序员的摄影师。现在除了个人创作之外，也涉及一些文化遗产数字化的工作，在2019年创立了miscLab影像实验室。 曾在知乎以“Timothy Wang”的名号写作，亦使用“Tianxi”署名作品。 目前出版作品有：《再见，谢谢所有的鱼》（画册），《匿名的风景》，《海拉尔真的存在吗？》 摄影作品散见于国内外美术馆与杂志。

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本期我们聊到了一个摄影创作中的现象，一个被我称为「伪类型学」的现象。这个现象描述的是一类看起来像是类型学摄影，但实际上与类型学无关。
在话题的第一部分，我们比较深入的探讨了什么是原本的类型学摄影，然后在这个基础上讨论什么是「伪类型学」，以及它为什么「伪」。
随着讨论的深入，我们会发现，伪类型学其实只是当代生活幻象的一个小缩影，我们将从这个小的缩影中看到一些更贴近我们生活的现象：
我们越来越擅长制造「像」，但越来越不擅长承受「是」。而艺术与生活最重要的地方，恰恰在于它不能只停留在「像」。它必须让我们感觉到，这个东西是从某个真实的人、真实的时间、真实的处境和真实的问题里长出来的。否则它再整齐，再当代，再有方法，也只是另一种高级的仿制品。

本期提到的一些信息：
2026影像上海艺术博览会门票八折购票码：N4UCGT

Emergency Break摄影工作坊招募：https://mp.weixin.qq.com/s/2OQ-TFdMtz31-AdrN1186w

节目中提到安娜·沃格尔的作品：
Anna Vogel, Aircraft carrier Pigment print in colours on photo paper laid down on aludibond. 2019. C. 40 x 54 cm (sheet).

这期结尾提到的漫画

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这一期有很多闲聊。在一个兵荒马乱的春节跑遍了大半个中国，紧接着又去了趟欧洲，然后2026年的四分之一就过去了。
然后聊到了很多不同媒介的艺术作品，包括文学、电影和游戏，当然也有摄影。想要通过这些线索探讨的一个观点是，好的艺术作品都有一种「言在此而意在彼」的特质。在艺术创作中踢直球往往是没有什么好结果的，而实际上在生活当中也是。也许「直线路径」只是因为我们有限的视野让我们误以为那是通向终点的最短路径。
随着话题的深入，更聚焦的讨论了Ron Jude的摄影作品《恶心》，以及萨特的小说《恶心》。在这两部作品的关联中看到影像和文学分别如何表现生活的荒谬感和存在主义危机。
《恶心》（Nausea）是美国摄影师 Ron Jude 于1990至1992年间在路易斯安那州巴吞鲁日和佐治亚州亚特兰大拍摄的一组照片。作品名取自萨特1938年的存在主义小说，Jude 以激进的构图、浅景深和独特的"浑浊"色调，透过窗户、门口和墙壁的缝隙窥视空旷的教室和走廊，创造了一个既熟悉又诡异的世界。2017年，MACK 出版社以全新编辑出版了25周年纪念版。
「恶心」的感受，就是你突然意识到——世界上所有的东西，包括你自己，都没有理由地存在着，而这种没有理由让你浑身不自在。
萨特的「恶心」，说到底就是：当你剥掉人类给万事万物贴上的所有标签、意义和理由之后，直面「东西就是那么毫无道理地存在着」这个事实时，你会感受到的那种深入骨髓的不适与荒诞感。 它不是对某件坏事的反应，而是对存在这件事本身的反应。
提到的作品链接：
Ron Jude 《恶心》： https://www.ronjude.com/work-19912008/nausea
在Tim的instagram上你可以找到或在未来陆续的看到本期节目中提到的一系列被拍摄的场景。
ins：tianxi_w
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这期节目来自由「小米影像」、「单向空间」和「Photo Reason」联合举办的第一届中文摄影播客节现场对谈的录音。
本期主播：
Tim 曝光补偿
花盆 接触印相 Contact Sheets
白熊 Photo Reason
刘小川 清河摄影部
在本期节目中，四位主播围绕“我们为什么还在使用胶片”展开讨论。他们分享了自己的拍摄经历与情感，探讨胶片摄影在数码时代的独特魅力与价值。对比数码摄影的便利性，胶片让人感受到更深的沉浸与专注。每位嘉宾都讲述了与胶片的故事，反映出他们对这种传统摄影方式的珍视与理解。并共同探讨了胶片摄影所带来的确定性和情感共鸣。
00:02:26:探索胶片世界的奇妙之旅：拍客们的拍摄经历与故事
00:05:07:从数码到胶片：摄影之旅的起点与挑战
00:10:17:失而复得的胶片记忆：一段与胶片相机的不解之缘
00:15:25:手机厂商卷算法，数字永生梦碎！胶片摄影的魅力与确定性
00:20:35:创作的节奏与感受：回到特别慢节奏的状态，探索胶片摄影的魅力
00:25:43:胶片摄影与数码摄影：两种不同拍摄方式的对比与思考
00:30:52:创作与限制：选择胶片还是数码相机？
00:36:02:胶片摄影的价值与挑战：追求高品质影像的矛盾之处
00:41:10:突破安检困扰：旅行摄影师的胶片挑战与解决方案
00:46:19:用胶片记录时光：胶片扫描仪的选购与使用心得
00:51:27:从胶片到数码：摄影创作的思考方式的转变与创新
00:56:36:胶片相机：是否值得入门的智商税

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本期节目从一张拍摄于 1931 年的获奖照片出发，回顾了快照（snapshot）在过去一百多年中的历史演变。这张照片之所以具有决定性的意义，并不在于它的艺术成就，而在于它所处的历史时刻：随着便携相机的出现，摄影第一次从一项高度专业化、昂贵且排他的技术，转变为普通人也能够参与的日常行为。快照由此诞生，它不依赖复杂的技艺，也不要求严密的准备，只需要在场，却在无意中完成了一次影像表达权力的再分配。从柯达与徕卡开启的技术变革，到街头摄影和新闻摄影将快照纳入公共叙事体系，快照逐渐从家庭内部的私人记录，发展为理解社会、城市与个体经验的重要视觉语言。
进入二十世纪中后期，摄影师开始主动拥抱快照的即时性、偶然性与不完美，将其转化为一种自觉的美学立场，使快照不再只是被动的记录，而成为一种有意识的表达方式。
在中国，这一过程以高度压缩的形式展开：从家庭相册到数码相机，再到手机摄影和社交平台，快照在极短时间内完成了从纪念性到日常性、从记录生活到表达自我的转变。随着手机与算法的介入，拍照几乎变成一种本能，技术问题被彻底接管，影像变得更轻盈，也更同质。在这样的背景下，当代快照呈现出一种新的气质：它不再承载宏大的叙事，而更多指向微小、敏感、略带荒诞的情绪体验；它从单纯的在场，逐渐走向更主动、更自觉的意识与表达。
无论技术如何演进，快照的核心始终未变——它从来不只是为了记录世界，而是一种在无常生活中确认自身存在的方式，是普通人相信自己值得被看见、被记住的一次轻微却重要的实践。
本期节目讨论到的一些问题：
什么是快照？
快照如何在摄影史上出现？
历史上最早的、最有影响力的快照是什么样的？
早期的快照相机有哪些？
中国的快照史大体上是什么样的？
什么是照片的技术性情绪
什么是作者性？
从评委视角看影赛的投稿作品是什么感受？
为什么某一张照片能获奖？
什么是手机摄影快照的特质？
什么是反技术风格？
今天的街头摄影为什么无法再像上个世纪那样辉煌？
节目中提到的一些照片可在以下链接中查看：
https://mp.weixin.qq.com/s/Xk_kkHyIssfObbf0LXeFNw
北回归线 项目招募信息：联络链接
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